Vídeo experimentación

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Décimo Cuarta Edición Octubre 2014
Actualizado: Sunday, November 23, 2014 - 18:28
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COMUNICACIÓN DE AVANCES DE INVESTIGACIÓN

Pervivencia experimental y diversificación en el origen de la imagen cinematográfica

Algunos autores consideran los inicios del cine, como un largo periodo citado como pre-cinema, ya en el año de 1955, el profesor Francastel durante una conferencia de filmología, formuló la idea de un pre-cinema, [1] como los múltiples intentos de representación de la imagen en movimiento previos al invento del cinematógrafo y aunque durante siglos la simulación del movimiento pudo ser representada de múltiples maneras, ninguna fue completamente convincente; el invento de la fotografía influyó de manera decisiva en la invención de la imagen movimiento y algunos de los llamados "juguetes filosóficos" [2] empleaban efectos luminosos ya sea naturales o artificiales como el teatro de sombras. Según Nekes [3] fue Daniello Barbaro en el año de 1568, el primero en colocar una lente en un agujero para conseguir una mejor imagen, y fue en siglo XVI que la cámara oscura permitió a los artistas proyectar una imagen invertida sobre una superficie. Este principio es el antecedente directo de la linterna mágica la cual recibía imágenes del exterior haciéndolas visibles en el interior de la misma, invirtiendo este proceso, y proyectando las imágenes hacia el exterior. Otros recurrieron a procesos tales como el uso de espejos como el fenaquitiscopio de 1831 para provocar el mínimo nivel de diferencia o el intervalo entre las imágenes, como lo hace el fotograma en la cinta del celuloide reproduciendo una seriación de cuadros o frames cada determinado tiempo. En el entendido de que en el proceso creativo interviene la documentación como un acto de conocimiento del contexto, las convergencias, similitudes o continuidades las cuales son communes en la creación; por ejemplo, en 1915 existió el Ombro-cinema, un teatro de sombras que producía movimiento elemental, ocultado o mostrando las sombras y dejando ver distintas etapas del movimiento detrás de unas barras negras. Los scanimotions o Kinesiogramas [4] atribuídos al investigador inglés Colin Ord y los murales animados de Rufus Butler Seder [5] pueden considerarse una variante evolutiva del Ombro-cinema. Actualmente este y otros principios de la imagen movimiento se han comercializado en forma de libros o juguetes ópticos animados para niños y adolescentes [6].

 

Bajo el pricipio del modelo creativo inspiración-iluminación-continuidad podemos decir que las imágenes cronofotográficas de Marey [7] devienen del trabajo científico, [8] pero pronto dejaron de ser consideras como tal, en este sentido la historia innumerables ocaciones nos ha mostrado cómo algunos conocimientos y artefactos científicos no solo han tenido un uso comercial, sino artístico. El caso de las cronofotografías fueron muy bien aceptadas en el plano del espectáculo popular y generaron mucho dinero, tal como hasta ahora lo siguen haciendo.

 

Muchos otros principios de la imitación del movimiento se han retomado para nuevas creaciones, de la lintena mágica se retoman principalmente la proyección y el movimiento de las imágenes para crear un espectáculo visual. De esta manera se reafirma que la arqueología del cine involucra diferentes corrientes de pensamiento, desde el Renacimiento combinando la ciencia de la física, el estudio de la óptica y la luz, la fisiología, la práctica de la magia, la pintura y la perspectiva, la persistencia de la luz, la química, la acústica y la mecánica [9]. Por tanto también deberán ser tomados en cuenta el teatro de sombras (espejos, cama oscura, anamorfosis, cajas ópticas, linternas mágicas, fantasmagoría, estroboscopios, discos, zootropos, dioramas y panoramas), todos pertenecen a esta corriente y comprenden el inmenso conjunto de materiales en la historia entre la ciencia y el arte. [10]

 

T. A. Edison el genio e inventor también contribuyó a la historia de la imagen movimiento. En 1894 la industria de la fotografía con movimiento florecía en Europa y en los Estados Unidos debido a la comercialización del Kinetoscopio de Edison, algunas de las "vistas" más conocidas fueron las breves películas: Eugene Sandown, el hombre fuerte mostrando sus músculos y Annabelle Whitford mostrando su baile. El kinetoscopio era una máquina de visión monocular que reproducía una secuencia lineal de fotogramas que eran transportados por unos rodillos que hacían girar una banda de imágenes bajo el visor que el ojo percibía como movimiento, de hecho es el mismo principio bajo el cual los hermanos Lumière inventaron el cinematógrafo.

 

Históricamente estos ensambles y yuxtaposiciones no deben sorprendernos, en la época moderna tenemos historias semejantes, conocemos la historia primigenia del Internet como una tecnología de origen militar en el auge de la guerra fría y también se tiene el antecedente de que la tecnología de la imagen digital tridimensional encuentra su génesis en la tecnología de simulación visual empleada para la guerra. Son solo dos ejemplos pero nos muestran la transferencia de tecnología para usos más creativos y loables.

 

Manifestaciones tempranas del cine y video experimental

La irrupción del cinematógrafo en la escena mundial de las artes plásticas pronto rinde frutos experimentales. Ello nos transporta a dos periodos traslapados. El primero se gesta en los primeros 20 ó 25 años en plena transición entre el siglo XIX y el siglo XX. Este primer periodo se identifica como cine de atracciones, su principal característica no era narrativa, mostraba lugares de interés tal como lugares de exposición, en primer lugar se muestran actos y novedades de sorpresa o asombro. El segundo corresponde a una transición entre el periodo del cine de atracciones y cine que cuenta historias (narrativa) en lugares variados y de interés general y que llega con el tiempo a convertirse en el modelo americano o el cine convencional norteamericano o lo que es lo mismo: la industria cinematográfica de Hollywood.

 

Pero ¿qué es lo experimental? Lo experimental deviene de un experiment [11] o una prueba, puede ser en forma de un examen práctico realizado para verificar la eficacia de una cosa o examinar sus propiedades; por lo tanto, lo experimental es lo que sirve de experimento y está fundado en la praxis y en la experiencia obtenida de ella y cuyos resultados son la consecuencia de la misma práctica cotidiana tal como las obras que se analizarán posteriormente. Desde un punto de vista cientificista, lo que se repite ya no es experimental, ya que no se considera como un logro, sin embargo lo experimental se basa en los conocimientos y en los resultados y análisis previos obtenidos la mayoría de las veces por alguien más, por lo que el cine experimental dice Zarandona [12] se define mejor por lo que no es, que por lo que sí, ya que debido a su naturaleza heterogénea no se ha podido emitir con exactitud una definición suficientemente satisfactoria para todos.

 

El cine experimental no está hecho por un gran colectivo ni por grandes producciones, aunque sí existen algunas obras realizadas por directores cinematográficos muy importantes tales como David Lynch [13] o Peter Greenaway [14] (Leonardo Last Supper), quienes son la excepción que convalida la regla. El cine experimental tampoco apela a las masas para su diffusion, tampoco para su distribución, por lo tanto se le considera un cine marginal, aunque su origen no es azaroso ni casual y en repetidas ocasiones se encuentra respaldado por corrientes artísticas, tal como en el periodo vanguardista del siglo XX; como en el caso que a continuación nos ocupará.

 

Posturas más o menos a favor y en contra, pero desde una perspectiva que busca la innovación y la creación, podemos considerar lo experimental (cine, video), a las aportaciones y procesos transformadores que se gestaron en el pre cinema, el cine artesanal, el cine aficionado, el cine comercial de "alta creatividad", el cine casero con la única condición de que se involucren desde la premisa: persona, proceso, producto y situación citada por Manuela Romo como se ha escrito en apartados anteriores.

 

Vanguardias artísticas y obras germinales del cine experiemental

 

Posterior al cine de atracciones algunos artistas comenzaron a experimentar con este nuevo medio que ofrecía un desarrollo de un lenguaje visual universal. Algunas de las primeras manifestaciones que exploraron la técnica cinematográfica como arte fue la que se gestó durante el movimiento Dadaista. El Dada se inició en Zurich en el año de 1916 con una postura antiartística, antiliteraria y antipoética [15] donde vale más el gesto que la obra y el gesto se puede hacer en cualquier dirección de las costumbres, de la política, del arte y de las relaciones [16], lo que importaba era que ese gesto fuera provocador y desafiante frente al Establishment. El escándalo y la rebelión fue el instrumento preferido de los Dadaístas, razón por la que las obras más representativas del movimiento son el cuadro de la Gioconda al que Duchamp pintó bigotes firmando la reproducción como suya o el mono que Picabia intentó atar a un marco y exponer como obra viva.

 

En Alemania en 1921 Walter Ruttman [17] pinta a mano sobre un soporte y realiza lo que se considera como la primera película abstracta y obra clave en el cine de vanguardia titulada “Wochenende”. En los Estados Unidos de América los artistas Dadaístas por excelencia fueron Duchamp y Picabia, ya en 1926 Duchamp y Man Ray producen la película épica Anemic Cinema, que es un ejercicio cinematográfico que aporta al cine la materia extapictórica característica en este tipo de experimentaciones y reitera algunas de las aportaciones fotográficas desarrolladas por Man Ray, tal como la Rayografías. [18]
 
Entre los resultados figurativos más importantes aportados por los dadaistas en Alemania está el fotomontaje, está técnica surge en la mente de Hausmann evocada por las litogafías que colgaban en todas las casas en la isla de Usedom en el Mar Báltico, que representaba la imagen de un granadero sobre el fondo de un cartel [19], en algunas de la litografías a manera de recuerdo se había colocado la cara de algún familiar, este hecho sugirió a Hausmann la idea de componer "cuadros" con fotografías recortadas [20], la historia del montaje [21] daba inicio.
 

En el cine contemporáneo el director Osbert Parker quien realiza dos cortos cinematográficos Film Noir y Yours Truly mantiene en espíritu el consejo dadaísta para hacer un poema –poema visual en el caso de Osbert–, el poema dice:

 

Tomad un periódico

Tomad unas tijeras.

Elejid en el periódico un artículo que querais dar a

                vuestro poema.

Recortad el artículo.

Recortad con todo cuidado cada palabra de las que forman tal artículo

                y ponerlas todas en un saquito.

Agitad dulcemente.

Sacad las palabras unas de las otras, colocándolas en el orden en que las

                habeis sacado.

Copiadlas concinzudamente.

El poema está hecho.

Ya os habeis convertido en un escritor infinitamente original y dotado de una sensibilidad encantadora...

 

Film Noir se retrata como una aventura animada multimedia que combina (las técnicas) live action, stop-motion y objetos perdidos con collages de fotos que están entremezclados en una narrativa no lineal y manipulados dentro de una oscura historia de romance y tensión psicológica que se extiende a un mundo cinemático nunca antes visto [22], en tanto que Yours Truly nombra a Iconos del cine que pasan por las capas perdidas de la emulsión de ayer en esta apasionante segunda entrega de la contemporánea trilogía negra de Parker. Congregados en una ciudad surrealista, la conflictiva historia de Frank y Charlie se narra como un romance con giros inesperados en el argumento [23].

 

Figura 1:“Film Noir”, Osbert Parker. 2005 | 00:04:00 | Reino Unido | Sin diálogos | Color | 640x368 | DV video.

 

Figura 2: “Yours Truly”, Osbert Parker. 2006 | 00:08:00 | Reino Unido | Inglés| Color | 640x368 | DV video.

 

 

Realizar una descripción precisa de lo qué es la vanguardia sería un esfuerzo estéril para nuestro propósito analítico y expositivo debido a la dificultad que ello representa, nos es más productivo si nos acercamos a algunas diferencias necesarias. Carolina Fernández [24] cita tres autores que nos pueden dar luz al respecto, el primero es René Claire quien en 1927 plantea una postura absoluta y dice: la vanguardia es el cine, Antonio Costa ve a las vanguardias interactuando con el cine, hecho que establece dos fenómenos ciertamente vinculados, aunque por un lado el cine y por el otro las vanguardias; por último cita a François Albera, que diferencia por completo la vanguardia en el cine. Mientras tanto Jean Mitry [25] dice que todo cine entre 1910 y 1920 que haya contribuido al descubrimiento de sus nuevos medios pueden considerarse experimentales, entiéndase como un producto autoreflexivo y que llame la atención sobre su propia estructura.

 

Tres son las acepciones que se sugieren sobre la raíz del vocablo Vanguardia, la primera se ubica en la Edad Media que es de orden militar, la segunda cargada con discursos revolucionarios del siglo XVIII y la última, la más apropiada para nuestros fines, ”alude al combate de ideas artísticas emprendido por los representantes de la novedad o modernidad” [26]. En relación a la imagen movimiento es indicutible la importancia que tuvo la vanguardia (y la prevanguardia) tanto en producciones precinematografiadas [27] y cinematográficas particularmente en la experimentación en función de la ruptura y la búsqueda no convencional y como proceso creativo cuya inercia experimental derivó en la experimentación de la imagen electrónica y digital. En la vanguardia se gesta el reconocimiento artístico y cultural del medio emergente en la búsqueda de nuevos caminos estéticos y la expansión en potencia de los ámbitos formales y expresivos, este clima experimental vanguardista aporta también la formulación de un cine diferente ya que representaba la apertura de expresiones inéditas con un nuevo universo lingüístico que posibilita y desarticula narrativas convencionales que los vanguardistas vieron como el medio idóneo que les proporcionaba todas esas herramientas. Se reflexiona en el cine no como es, sino en cómo pudiera llegar a ser. Lo radical del cine en ese momento responde también a una radicalización del arte y a una continua interpretación del mismo. Es precisamente esta visión no convencional del cine, lo que se convertiría en una visión fragmentada del mundo y que posteriormente lo llevó a expresiones tales como el collage, assemblage, el dé-collage, reciclaje, post producción, etc.

 

Sánchez Biosca sugiere que El gabinete del Dr. Caligari [28], El acorazado Potemkin [29] y Metrópolis [30] son obras pioneras de la vanguardia cinematográfica. La primera es considerada una película de fantasía alucinante, lleva a cuestas una leyenda sobre el malditismo y en su tiempo fue un verdadero acontecimiento cinematográfico, su influencia fue tal que hizo escuela en el cine, influyó a manera de moda fantástica. El caligarismo fue la rúbrica del cine alemán y no concluye sino hasta que Metrópolis inscribe los motivos fantásticos-delirantes con un diseño futurista [31].

 

La segunda, nace en pleno auge de la vanguardia soviética en el momento cumbre de la experimentación artística coexistiendo con la causa revolucionaria, por lo que artistas de procedencia burguesa fueron segregados hasta que el cine se nacionalizó. El cine soviético vanguardista de los años 20 fue de ideología política estalinista acotado por el estado presupuso que los burgueses no se encontraban en condiciones de producir obras que reflejaran el espíritu contemporáneo de la revolución y la reciente nación soviética, ello condujo hacia una escición entre los artistas de vanguardia y las masas.

 

El fragmento de la masacre en las escalinatas de Odessa, es un asombroso acto de montaje inventado por el director Eisenstein y, que a saber, no tuvo paralelo en la historia dice Biosca. Existe una oposición rítmica y figurativa constante entre el grupo de cosacos y el grupo de la multitud, el director produce y se manifiesta de una manera muy viva expresada a través de los sentimientos de dolor, tristeza y de melancolía. En otro asombroso acto creativo, pero esta vez, de reinterpretación ya que el cineasta polaco Zbigniew Rybczyński filma en 1987 el corto Steps, donde en 25 minutos recrea la escena de las escaleras de Odessa en una nueva dimensión experimental incrustando electrónicamente a un grupo de coloridos turistas norteamericanos voyeuristas y convencionales sobre la imagen original en blanco y negro del film de Einsenstein: Rybczyński uses film and electronic media to create visual images which are not merely reflections of the superficial but rather penetrate the truths hidden deep inside. This is what the artist considers indispensable to achieve the aim of representing, and first and foremost, understanding the real world [32].

 

 

Figura 3: “Steps”, Zbigniew Rybczyński. 1987 | 00:25:00 | Reino Unido | Inglés/Ruso| Color | DV video.

 

La tercera y la última es la película Metrópolis obra del director Fritz Lang, que se rodó en el año de 1927 en Alemania, en ésta obra cinematográfica en cierta escena se presenta la figura de un cuerpo híbrido en un marco de majestuosidad de una imaginería plástica y efectos ópticos; se considerá de vanguardia por los efectos especiales logrados por un sistema de espejos, también por la relación estilística entre la Bauhaus y el Constructivismo, poseedora de encuadres arquitectónicos y composiciones plásticas, entre otros.

 

En los años ochenta algunas películas reviven la obra de Lang, Blade Runner (1982) en donde Ridley Scott se inspira en su diseño arquitectónico, Alan Parker se ocupó de las escenas de los obreros para reflejarla en el tema musical We don´t need no education de la película Pink Floyd The wall y ese influjo se nota más aún, en el videoclip Express yourself de la cantante Madonna tal como puede observarse en las siguientes imágenes:

 

 

Figura 4: Videoclip. Express your self del álbum Like a prayer Artista: Maddona (1989)

 

 

Los procesos de creación y el Vídeo experimental

 

Los procesos de creación derivan en resultados visuales donde la realidad es reinterpretada por el artista tal como Rybczyński y Parker emularon en los videoclips. La mezcla, la transposición, la yuxtaposición y el absurdo, forman parte del vasto panorama de recursos que los artistas del Video arte han utilizado como lenguaje, donde el manejo del tiempo y el espacio es muy particular debido a que hay traslapes en las imágenes que antes no existían. En este sentido el panorama es amplio y una revisión general será un trabajo titánico no solo por lo extenso, sino por la producción constante y permanente que se desarrolla diariamente y que podemos consultar tanto en redes sociales, como en foros, los cada vez más extendidos festivales de cine y video en todas las categorías, entre otros.

 

Sin embargo, nos es posible hacer una selección breve de algunas obras que por sus características, pueden ser consideradas el resultado de un proceso experimental. Veremos como en cada caso las obras elegidas, han examinado las propiedades originales y las virtudes observadas o detectadas que se muestran, se transforman, se reconfiguran o se exageran, se eliminan o se substituyen según sea el caso, si bien en el sentido más conservador del término,  las propuestas elegidas no pretenden comprobar o demostrar determinados fenómenos o principios científicos, solamente se persigue el sentido de la novedad, la singularidad, lo poco convencional y los resultados han producido toda clase de nuevas expresiones culturales novedosas.

 

A continuación podremos observar 3 obras artísticas cuya temática se enfoca en Walt Disney con la intensión de develar el aura que rodea los mensajes de esta empresa. El primer ejemplo involucra la obra pictórica de José Rodolfo Loaiza Ontiveros [33] quien descontextualiza el universo creado por los dibujos animados, disocia los componentes y significados originales y los reconfigura en algo más cercano a lo ordinario desafiando una estética implantada durante décadas. Así que en su obra encontraremos a las princesas Cenicienta y Blancanieves, quienes muestran tener la misma orientación e identidad sexual a través de un beso en la boca o a Jessica Rabbit de la película Roger Rabbit inyectándose silicona en los labios, muestra del culto por la imagen que se vive en estos tiempos.

 

 

Figura 5: José Rodolfo Loaiza Ontiveros

 

 

Figura 6: José Rodolfo Loaiza Ontiveros

 

Eileen Maxson [34] trabaja en la confluencia del video, el performance y la instalación. En sus obras emplea el humor, critica y diluye las fronteras entre la imaginación y la coerción a los consumidores; la tecnología y la personalidad veraz, reedifica los detritus culturales y materiales. Su obra de video Cinderella trata acerca de una conversación entre Cenicienta y el Príncipe que parece reflejar una pelea inmadura entre ambos. La pareja habla acerca de la primera vez que tuvieron relaciones sexuales, y la forma en que él propagó los rumores acerca de ella.

 

Figura 7: Eileen Maxson

 

 

Al igual que las pinturas de Rodolfo Loaiza el video es un Remix que critica las falsas percepciones promovidas por las películas de Disney. Maxon pretende regresar al lugar común de lo que durante tantos años se ha presentado como estereotipo de cómo debería ser tratada una princesa y que no es el reflejo en un contexto de realidad.

 

Brian Boyce reinterpreta la película clásica de Martin Scorsese “Taxi Driver”; en este video el protagonista pareciera que tiene una obsesión por las películas animadas de Disney, las cuales se incorporan e irrumpen dentro de la película original, de tal manera que el mensaje de la misma queda reconfigurado.

 

 

Figura 8: “Walt Disney’s Taxi Driver”, Brian Boyce. 2012 | 00:04:31 | Estados Unidos | Inglés | Color | Stereo | 16:9 | DV video.

 

En el caso del video de alta definición 3D “Creation (Megaplex)”, 2012 de Marco Brambilla [35], el artista hace uso de algunos de las técnicas usadas habitualmente en las artes plásticas como el collage, –por lo que hay un traslado de recursos de un medio de expresión a otro–. En esta pieza distintos objetos flotan hacia dentro de una doble hélice gigante de ADN, el video comienza con una explosión que lleva al espectador al inicio embrionario y culmina con la aniquilación; todo dentro de un exuberante panorama de nubes, prados, paisajes urbanos, entre otros. El manejo del absurdo como recurso, da por resultado una de las piezas de video más exultantes del artista y ejemplo del oficio del creador artístico, ya que reinterpreta realidades existentes, a través de la descontextualización de objetos cotidianos dentro de un entorno fantástico y onírico.

 

Figura 9: Creation (Megaplex), Marco Brambilla 2012. Video alta definición 3D | loop 4 min.

 

En esta serie de obras, los procesos de creación condujeron a resultados  originales y novedosos, que no necesariamente “nuevos”, es decir, en éstos se retoman elementos que les precedieron, por tanto no son soluciones totalmente “nuevas” y la novedad estriba en la forma en como se hace uso de estos elementos.

 

 

 

En el dominio público la apropiación es experimentación

 

El acceso a Internet, la sobre oferta de objetos audio-visuales, la aparición de You Tube como una gigantesca videoteca universal pública y las interacciones a través de las redes sociales, han sido los medios indispensables que han favorecido la proliferación y dispersión de todo tipo de apropiaciones, remezclas, etcétera. Desde la invención del cinematógrafo innumerables obras han tomado ventaja de la experimentación visual auditiva y de la misma manera que en sus inicios encontraron fuentes diversas como inspiración, también han inspirado a otros.

 

En el documento en línea A history of subversive remix video before You Tube: Thirty political video mashups made between World War II an 2005 [36], se muestran los inicios de la apropiación en una cronología breve que ha involucrado a directores de cine, fans, activistas, artistas, y quienes trabajan con los media con fines de crítica y con propósitos políticos. El texto nos introduce al tema de los remix [37] y mash ups [38] como un ejercicio de combinaciones como un elemento clave de la cultura que democratiza las imágenes. Los remixes o nueva mezcla se constituyen como una novedosa escritura popular que en los últimos tiempos, ha adquirido una importancia considerable en las expresiones populares, involucrando, adoptando artefactos culturales que combinados y manipulados hasta tener una mezcla con resultados creativos. En este sentido la remezcla no es propia de nuestra época las culturas del pasado nos han mostrado como se han influenciado entre sí, dando lugar a estilos y periodos expresivos particulares en el arte. En las prácticas culturales el remix está asociado con la música, una o más tornamesas permitieron combinar fracciones musicales sin la necesidad de tener conocimientos musicales, bastaba con la idea del ritmo y la capacidad musical transformadora.

 

En el caso de Every thing is a remix [39] es un documental que muestra el testimonio de Girl Talk, nombre artístico de un remixer digital que combina muestras (samples [40]) de cientos de clásicos de la música pop que corta, pega y ordena para crear nuevas piezas musicales. Esta práctica más allá del ejercicio lúdico y creativo, representa una actitud subversiva que desafía las convenciones y las leyes de derechos de autor. Sin entrar en detalles, existe la contradicción acerca del uso o re uso de la cultura popular que se apropia y se recicla, como ya vimos es una facultad humana que en el siglo XX la cultura de la imagen se democratiza gracias al invento del Internet, la conexión de nodos y la comunicación entre millones de computadoras conectadas a esos nodos, se diseñaron para un solo propósito: compartir la información global, cargando y descargando, subiendo o bajando la cultura del mundo para resignificarla, Nuestro nuevo idioma es la remezcla. Cosas divertidas, cosas políticas llegaron a la red. El  proceso creativo se convirtió en algo más importante que el producto, porque los consumidores son los creadores del arte popular del futuro, se escucha en el citado documento videográfico.

 

De las remotas prácticas cinematográficas se destaca aquella dedicada a la crítica política que reedita un fragmento de una marcha Nazi [41] para que parezca más un baile que una parada militar, las imágenes son extraídas de la película Triumph of the will de la cineasta favorita del Reich, Leni Riefenstahl. Por otra parte, Death Valley Days [42] es el resultado de la apropiación de la imagen electrónica televisiva de una duración de 20 minutos, consta de cinco partes que muestran noticias, shows  de TV, y películas de Hollywood donde se exhibe la relación política entre Ronald Regan y Margaret Tatcher.

 

Múltiples y divergentes aportes pueden verse en la Internet, muchos de éstos son el resultado de la desobediencia electrónica como resultado de las restricciones legales que limitan el acto creativo. Desde los memes [43] a los reciclajes y mash ups, mucho tiene que discutirse sobre lo que representa la transfiguración que exhala la cultura libre, que no es otra cosa que el dominio público y los derechos de autor. Sin embargo, lo verdaderamente importante es que todas estas manifestaciones emanadas del cine, la televisión, el video y la computadora, significan el avance y la transfiguración del arte hacia nuevas y desconocidas sendas.

 

 

 

Índice de citas

[1] Abel, Richard. (Editor). Encyclopedia of early cinema. Editorial Routledge. p. 49

[2] Oubiña, David. Una juguetería filosófica. Cine, cronofotografía y arte digital. Buenos Aires, Manantial, 2009.

[3] Werner Nekes, director y escritor ha sido uno de sus mayores difusores e impulsores de los objetos precinematográficos. http://www.wernernekes.de/00_cms/cms/front_content.php Consulta: 10 agosto de 2014.

[4] Los kinegramas se encuentran en todos lados, en los billetes de banco y en las tarjetas de crédito, desde hace mucho tiempo los conocemos en juguetes diversos, reglas de plástico y tarjetas coleccionables. Muestran por lo general un dibujo o una imagen en tercera dimensión que se mueve al cambiar el ángulo de la visión. http://odiseacd.galeon.com/Ideas1.html Consulta: 30 octubre de 2014

[5] Rufus Butler Seder. Autor de la serie de libros: Gallop, Swing, Waddle, Star Wars. Emplean una tecnología patentada llamada Scanimation. http://rufuslifetiles.com/ Consulta: 10 octubre 2014

[6] Eye Think Inc. http://www.eyethinkinc.com/ Consulta: 31 octubre de 2014.

[7] Étienne Jules Marey. Fue un fotógrafo e investigador francés. Entorno a la secuencia cronográfica de las imágenes de un caballo exite la anécdota que ésta develó de una vez por todas lo que el ojo era incapaz de percibir, hasta el momento de desonocía si las patas de un caballo a galope tocaban o no el suelo. En las pinturas de la época se representaban al caballo con la 4 patas extendidas sobre el suelo, este tema solo pudo ser revelado por la cronofotográfia y no de la menera en que había sido pintado.

[8] Tosi, Virgilio. Cinema before cinema. The origins of scientific cinematography. British Universities Film & Video Council. Como precursores del cine científico inmediato al cinematógrafo también podemos nombrar al astrónomo Janssen, al fotógrafo Muybridge y al psicólogo Marey.

[9] Abel, Richard. (Editor). Encyclopedia of early cinema.Editorial Routledge. p.50

[10] Íbidem. p. 50

[11] Dos definiciones de experimentar según la RAE son: Probar y examinar prácticamente la virtud y propiedades de algo. En las ciencias fisicoquímicas y naturales, hacer operaciones destinadas a descubrir, comprobar o demostrar determinados fenómenos o principios científicos. http://www.rae.es/

[12] González Zarandona, J. A. (2005). La historia del cine experimental. Tesis Licenciatura. Ciencias de la Comunicación. Departamento de Ciencias de la Comunicación, Escuela de Ciencias Sociales, Universidad de las Américas Puebla. Noviembre. Derechos Reservados © 2005.

http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/gonzalez_z_ja/indice.html Consulta: mayo 05 2013

[13] David Lynch. Director del circuito de Hollywood que ha incursionado en el cine experiemntal paralelo a sus grandes producciones cinematográficas. Algunos títulos experimentales son Rabbits (2002), DumbLand (2002), Darkened Room (2002) y Erasehead (1977)

[14] Peter Greenaway, junto a Michallangelo Antonioni, Jean Luc Godard, fueron algunos de los pioneros en una práxis de proceos y combinaciones de imágenes electrónicas y digitales. Cine (y) digital. Aproximaciones yconvergencias. Arkadin. Estudios sobre y artes audiovisuales. p. 57

[15] De Micheli, Mario. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Editorial Alianza Forma.

[16] Íbidem, p. 139

[17] Director de cine alemán. Nace en Frankfurt en 1887 y muere en Berlín en 1941. Fue un pintor dadaísta, a partir de 1922 realiza obras de cine abstracto (Opus 1, 2, 3 y 4). Influido por las teorías de Dziga Vertov, rodó uno de los más ambiciosos e importantes documentales de la vanguardia europea: Berlín, Sinfonía de una gran ciudad (1927) que es una descripción impresionista de una jornada berlinesa.

[18] La técnica rayográfica se basaba en imágenes abstractas obtenidas de objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado.

[19] De Micheli, Mario. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Editorial Alianza Forma. p. 145

[20] Íbidem, p.145

[21] Se recomienda al lector interesado en ampliar este tema, revise la vasta bibliografía dedicada al tema del Constructivismo en la URSS quienes magistralmente desarrollaron la tipografía y el fotomontaje y quienes en términos genéricos lamaban Poligrafía o Artes Gráficas Industriales.

[22] Sinópsis de la película en Patio de Butacas. http://www.patiodebutacas.org/foro/showthread.php?t=4616&highlight=osbert+parker Consulta: 1 de noviembre de 2014.

[23] http://www.patiodebutacas.org/foro/showthread.php?t=22845&highlight=osbert+parker 1 de noviembre de 2014.

[24] Fernández Castrill, Carolina. El cine en las vanguardias: Esperanto visual de la Modernidad.  Universidad Complutense de Madrid.

[25] Fernández Castillo, Carolina. El cine en las vanguardias esperanto visual de la modernidad. Área abierta no. 26. Universidad Complutenese de Madrid.

[26] Sánchez-Biosca, Vicente. Cine y vanguardias artísticas. Conflictos, encuentros y fronteras. Paidós. p.14

[27] Íbidem. p. 22 En sus inicios, cualquier intento de realización cinematografíada -aún no cinematográfica- tenía en sí, un carácter experimental aunque no de vanguardia.

[28] Das Cabinet Des Dr. Caligari. (1920) Título original de la película.Director:  Robert Wiene.

[29] Director: Sergei Eisenstein. (1925).

[30] Director: Fritz Lang (1927). Alemania.

[31] Sánchez-Biosca, Vicente. Cine y vanguardias artísticas. Conflictos, encuentros y fronteras. Paidós. p. 38

[32] Culture.pl. http://culture.pl/en/artist/zbigniew-rybczynski. Consulta: 1 noviembre de 2014.

[33] Rodolfo Loaiza. https://www.facebook.com/rodolfoloaiza. Consulta: 1 de noviembre de 2014.

[34] Eileen Maxson. http://vimeo.com/eileenmaxson. Consulta: 1 de noviembre de 2014.

[35] Marco Brambilla. http://marcobrambilla.com/creation/. Nowness. http://vimeo.com/94975386. Consultas: 31 de octubre de 2014.

[36] Journal Transformative Works http://journal.transformativeworks.org/index.php/twc/article/view/371/299 Consulta: 1 noviembre 2014

[37] Remix o remezcla. Se refiere al cambio del aspecto de una canción, o a una mezcla alternativa en sonido, ritmo y efectos.

[38] Mash up. Término utilizado en la música que consiste en unir dos canciones en una misma. Es una forma de transformar algo viejo en algo fresco

[39] Gaylor, Brett. Every Thing is a Remix. (2009) Eye still film. Canadá. 80 minutos. Documental.

[40] El sample es una fracción musical. Del sampling o sampleo deviene los remixes y mash ups musicales.

[41] Ridley A, Charles. (1942) Schichlegruber Doing The Lambeth Walk.

[42] Death Valley Days fue una compañía de televisión que produjo en 1965 una serie televisiva en la que participó Ronald Regan quien fuese presidente de los Estados Unidos de América. La serie cuenta la historia del viejo oeste americano particularmente en el Valle de la Muerte.

[43] Se conoce como meme a la conjunción de una imagen y un texto, humorístico las más de las veces, difundido por Internet. Sin embargo, el término es el centro de una teoría de la evolución cultural: “la memética”, y se refiere a la mezcla de las palabras “memoria” y “mímesis” (imitación). Periódico  La Jornada. 8 julio de 2014. El significado cultural del meme se propaga con el relajo cibernético. Sección Cultura. http://www.jornada.unam.mx/2014/07/08/cultura/a07n1cul Consulta: 1 de noviembre 2014.

 

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